Michiko Kon

MICHIKO KON

"Sustancias inorgánicas se tornan organismos vivos, la disolución se convierte en integración y la muerte se consigue hacer camino entre la vida. Es una habitación de fronteras extrañas"

Escultora y fotógrafa japonesa que inventa y construye escenas de bodegones con elemento marinos, vegetales y textiles y luego fotografía esos objetos imposibles. 

Estudia arte y se inclina por la fotografía. Vive cerca del mercado de pescados lo que despierta su interés por estos animales y posteriormente desemboca en su trabajo.

En sus fotos la naturaleza vegetal se confunde con la animal bajo una piel y una canalidad de texturas equívocas. Se trata de un juego visual que confronta lo viscoso y lo dúctil, la dureza con la delicadeza, el humor y la crueldad, entre un millón de brillos y mates. Una técnica laboriosa y sutil.

Michiko crea sus escenarios en un cuarto que le permite concentrarse y dar detalles últimos a su obra.

Un dato importante e interesante de esta artista es que cada escultura retratada, convertida en una obra fotográfica, la destruye. Sus fotos generan una doble tensión por los materiales y el fondo usado, que generalmente es negro o transparente (para hacer reflejos)

Su arte es más que nada reflexivo y contemporáneo.

http://www.lahornacina.com/semblanzaskon.htm

Joel Peter Witkin

JOEL-PETER WITKIN

"La rara belleza de lo horrible"

Considerado uno de los mejores fotógrafos del mundo.

Witkin fue técnico en un estudio especializado en el proceso Dye Transfer, y más tarde asistente en dos estudios fotográficos. Seguidamente trabajó como fotógrafo en el ejército. Ha sido criticado de forma enorme en su trabajo, sin embargo, esto nunca lo ha detenido para realizar sus obras. No es cazador de momentos. Dedica horas a componer y ambientar las escenas.

En 1967 decidió trabajar como fotógrafo independiente y actuó como fotógrafo oficial de City Walls Inc. de Nueva York. Posteriormente realizó estudios en la cooper School of fine Arts, de NY, donde obtuvo en 1974 el título de Bachelor of Arts. Después de haber obtenido una beca de poesía en la Columbia University, finalizó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico, con el título Master of Fine Arts. Actualmente enseña fotografía.

Witkin aborda desde el principio de su carrera el tema del otro centrándose en los otros que llevamos dentro: los que no somos pero que podíamos haber sido (enanos, gente deforme) y los otros que podemos ser en potencia, a través de metamorfosis de nuestro cuerpo deseadas o no (transexuales) o que vamos a ser tarde o temprano (cadáveres). 

Witkin repetidas veces trata de mostrar al mundo su forma de ver la vida. Intenta abrir los ojos de la sociedad, a un sociedad marcada por lo bello, lo estético, lo cansado de lo hermoso. Hace ver en más de una forma que todo esto que parece tabú, y que siempre es ignorado está allá afuera y queramos o no, existe.

Es un retratista de lo más originales y quizá por eso es que se ha ganado un lugar histórico y su trabajo con él también lo ha hecho. Es uno de los mas reconocidos pero también de los más rechazados. La belleza la hace a un lado para comunicar. 

Convierte al monstruo en un icono de belleza contra todos los prejuicios y es curioso que sus fotos parezcan pinturas y más increíble es que no lo sean. 

Witkin tiene una experiencia que se dice lo marcó: Cuándo era un niño de 7 años estuvo presente en un accidente automovilístico de proporciones mayores y a él rueda una cabeza de una niña de su misma edad. Muchas personas dicen que tiene un trauma, mismo que desembocó en su trabajo. El comenta que lo único que quiere es hacerle ver a los demás esa forma tan extraña de tocar la realidad.

Su trabajo es impactante y enserio, no es para personas que no tienen una mentalidad muy "abierta" o quizá tolerante a lo repulsivo. Aquí lo presento, un poco mas. En lo personal, me gustó.

"Pienso que lo que hace que una imagen sea poderosa, es que a diferencia de otros medios, como el vídeo o el cine, aquí se trata de la quietud. Pienso que alguien que se hace fotógrafo es porque quieren absorberlo todo y comprimirlo a que quede en una imagen fija. Cuando realmente quieres decirle algo a alguien, los agarras, los tomas y abrazas. Eso es lo que ocurre con la imagen fija."

http://www.zonezero.com/exposiciones/fotografos/witkin/jpwdefault2.html

http://spok-irredentos.blogspot.com/2011/05/arte-degenerado-joel-peter-witkin.html

http://www.cristinaarce.com/biografia_fotografo_witkin_joel.html

¿Cómo? ¿El cálculo de la exposición?

Sí. La exposición de una fotografía a la luz es de las cosas más indispensables que debe tener presente un fotógrafo.

Pero primero, ¿qué es exposición? Es la cantidad de luz que llega a la película, la cual controla mediante la abertura y la velocidad.

LA PELICULA: FORMATO Y RAPIDEZ.

Una exposición correcta se logra a través de la elección de la sensibilidad. La mayoría de las cámaras de visor directo y reflex emplean 35 mm.

La sensibilidad o rapidez de la película se  indica en grados AZA (ISO) o DIN. En Europa es común este último término. Si la sensibilidad se duplica, también la rapidez.

La ventaja de la exposición manual es que los ajustes no cambian a medida que nuestra escena cambia. Supongamos que está tomando planos cortos de coches que pasan. Algunos serán negros o de color oscuro y otros de color claro o blancos. Si rellena el marco con el coche sólo, el metro intentará ajustar cada coche como medio gris. Aunque probablemente no tenga éxito, lo que notarás es que el fondo es una sombra distinta en cada foto.

Entre más pequeño es el ISO MÁS fino es el grano, entre más alto es, MENOS porcelaniza la piel.

Los materiales fotográficos tienen fecha de caducidad por eso es importante estarlos checando, como  si fueran comida, examinarlos hasta el último detalle, claro, si quieres evitar problemas con tus fotos.

A las fotografías también se les puede llamar positivos pues son impresiones pasadas a un rango positivo. Es muy importante aprender a leer negativos.

Es importante saber que la abertura del diafragma está muy ligada  al clima y recordar cuales utilizar en el momento adecuado para no perder de vista la correcta tonalidad de una buena fotografía. A continuación se muestra una mini gráfica del clima y las recomendaciones de las aberturas.

F16 ___________ Sol intenso

F11, F8________ Nubes claras

F5.6, F4 _______ Cielo muy cubierto.

La anterior información también la podemos recordar si sabemos que entre más abierto está el diafragma, la luz se plasma más. Por lo tanto, si un día está nublado y falto de la luz adecuada o "perfecta", nuestro diafragma estará abierto lo más que se pueda para capturar la mayor cantidad de luz. Y al revés se aplica, cuando la luz sobra, basta con cerrar el diafragma para no quemar el positivo.

TIPOS DE OBJETIVOS (lentes)

OJO DE PEZ. Son objetivos con un angulo visual extremo de 180°. Transforman la escena en una imagen circular parecida a cuando miras por la mirilla de una puerta. Su distancia focal (lo que alcanza a percibir) es de 5 a 17 mm. Aquí un ejemplo de cómo son las tomas con el ojo de pez.

GRAN ANGULAR. Visión inferior al ojo de pez pero superior a los lentes normales. proporcionan un angulo visual entre los 60° y 180°. Convierte los objetivos en grandes, más de lo normal, con una fuerte distorsión en perspectiva. Distancia Focal: 18 -35 mm.

Usos principales: Exagera perspectiva, consigue mayor profundidad de campo y abarca más a los lados.

OBJETIVO NORMAL. Se aproxima bastante al campo visual del ojo inmóvil. Termino medio entre los grandes angulares y teleobjetivos. Este objetivo es el más común y es con el que cuenta la mayoría de nuestras cámaras reflex. Distancia focal: 36 y 55mm.

TELEOBJETIVOS. Angulo visual escaso, menor a 31 grados. Principal característica es el formar en la cámara imágenes grandes de objetos.

Distancias focales mayores a la de los objetivos normales:

• Corto - 80 y 135 mm.
• Normales - 135 y 240 mm.
• Superteleobjetivos - 240 y 500 mm
• Ultratelefotos - más allá de los 500 mm.

Peace!!

Si, se necesita en el sujeto.

Se dice que la luz es perfección y en cada disparo lanzado un fotógrafo debe precisar que su cuadro contenga al menos uno de los puntos más importantes en una imagen bien detallada. Por regla general, cuando una fotografía es interesante, lo es en gran medida a causa de la luz que recibe la escena, incluso por encima del motivo propio. De todo esto dependen las cualidades del sujeto:

RITMO

Resultado de la repetición, de lineas, formas, volúmenes, colores y tonos. La repetición de un motivo aumenta la armonía de una escena. Permite unir los diferentes elementos de la escena para conferirles unidad y fluidez.

Las composiciones con ritmo rígido conviene romperlas con algún pequeño objeto que no entre en función de la repetición manejada para que no atenúa su rigidez y proporcione un centro de interés rápidamente identificable. Algunos ejemplo de RITMO:

TEXTURA

Por textura se entiende la estructura de la capa superficial de un material. Una foto con textura muy resaltada confiere realismo a la imagen porque estimula nuestro sentido del tacto. Es casi como si sintiéramos la foto.

La textura genera una sensacion tridimensional. Una luz dura intensa y rasante desvela una textura imperceptible por cualquier otro método ya que la aplana y hace unidimensional, como sucede, por ejemplo, con los flashes. Para la textura es imprescindible el contar con LUZ NATURAL.

Ejemplos de textura:

FORMA

Muchas veces la forma es el aspecto más importante de una foto; esta no tendría sentido si nuestro centro de atención no es captado adecuadamente y ni siquiera se entiende qué es el sujeto.

La cámara ve en un solo plano, por lo que si queremos destacar la forma de un objeto, habrá que llamar la atención poniendo el centro de interés claramente identificable, por medio de la forma. 

La forma es la sustracción de una totalidad que con poco nos indica qué es un objeto. 

Las técnicas que podríamos utilizar para que esto nos funcione son: 

• Acercarnos al encuadrar de forma que aislemos al sujeto.
• Buscar el máximo contraste de tono entre la forma principal y el fondo.
• Utilizar el máximo las normas de composición, ritmo que sirven como equilibrio para destacar la forma.

Ejemplos de forma:

ESPEJO REFLEJO

Hay un efecto bastante usado y que realmente puede llegar a ser útil para algunos fotógrafos con ideas surrealistas. 

Este se trata básicamente de utilizar alguna superficie como centro donde haya algún reflejo de la realidad, que no se ve directamente en nuestro lente. Es como si la cámara usara lentes y todo lo que ve se refleja en el mismo lente pero en vez de ser el lente, es la superficie la protagonista que espejea la imagen.

Puede retratarse cualquier superficie que cumpla con los datos requeridos y siempre y cuando se capte un pedacito de la realidad que te robas en cada disparo. 

Ejemplos de Espejo reflejo:

También les dejo algunos ejemplos de línea:

Todo perfecto

COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

Esta se refiere a la correcta forma de presentar un cuadro, con los detalles del mismo bien cuidados.

La composición consta de varios elementos importantes e indispensables con los cuales se facilita la lectura de nuestras fotografías.

Centro de interés

Se trata de saber inmediatamente qué es o para qué es la foto. Básicamente es un elemento que atrae más intensamente nuestra atención, en torno a él ha de basarse la foto.

Ejemplo: En la siguiente imagen se ve claramente lo que llama primero nuestra atención. La rosa es lo primero que capta nuestra vista, entonces, el centro de interés está bien logrado.

El tratamiento que le demos al centro de interés es lo más decisivo de la composición fotográfica.

Rellenar el encuadre.

Si queremos contar algo en una foto, ocupemos por lógica la mayor parte con ese "algo".

Nuestro sujeto principal tiene que abarcar espacio en el cuadro de dialogo a tal punto que lo demás pase a ser un complemento secundario.

Regla de tercios.

Esta regla es de suma importancia en un cuadro de diálogo. Es utilizado principalmente para hacer de la imagen algo interesante. El hecho de ver todo en un centro, cuadrado, quita sentido a la misma fotografía y por ende al mensaje que se quiere llevar, es aburrido.

Para comprender esta regla es importante conocer los puntos más fuertes de una imagen. Finjamos que dividimos la imagen en nueve partes iguales con dos lineas verticales y dos horizontales, como se muestra a continuación:

Los puntos rosados indican los cuatro puntos fuertes. El sujeto retratado debe estar tocando alguno de los puntos, pero nunca en medio. Más que nada esto es una estrategia para ayudar a resaltar el centro de interés.

Regla de dirección.

Es importante recordar que si fotografiamos a una persona o animal de perfil, SIEMPRE se debe dejar más espacio por delante de su cara que por detrás, pues se perdería el enfoque de la vista del sujeto.

Por ejemplo, en la siguiente imagen  desconocemos el punto que mira el animal y eso lo hace ver apretado y que apenas cabe en la foto.

Apoyémonos en las líneas.

Las lineas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Con las lineas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra. Las lineas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes.

Grupos de tres.

Un único elemento puede transmitir soledad, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática (aburrida) y cuatro elementos pueden quedar muy abultados en un solo cuadro. Es por eso que en foto es recomendable utilizar casi siempre tres unidades.

Dato!!

Cuando en una escena hay dos o tres motivos con la misma fuerza compiten entre ellos, lo que perjudica la foto. No hay que dejar que más de un objetivo domine la imagen.

Peace!

http://www.dzoom.org.es/noticia-1479.html

Capturando instantes 1

Aquí algunos ejemplos de mi trabajo fotográfico.

Primer plano

Barridos

Congelados

Plano medio

Deliberado

Profundidad de campo